Las 10 mejores pinturas de Jesús de la historia y las cuales fueron hechas por algunos de los más grandes artistas de la historia mundial. Véalas aquí
- Catagoría: Musica y Cultura
- Autor: ZonaJ
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Jesús es un personaje muy importante en la historia del mundo y que mejor forma de celebrar esto que viendo las mejores pinturas de Cristo en muchas formas diferentes.
Algunas son como bebé, algunas muertas, algunas con vida, algunas controversiales y algunas sagradas.
Los artistas más famosos de la tierra, de Miguel Ángel a Goya, han representado a Jesús desde sus puntos de vista personales.
1 - Cristo Pantocrátor
Cristo Pantocrátor fue hecho en la Era Bizantina, en algún momento entre 1090 y 1100.
El Jesús en esta pintura es muy plano y serio.
2 - La Madonna de Ognissanti
La Madonna de Ognissanti fue realizada por Giotto en 1314. Aunque el incorpora algunos de los adornos de plata y oro de sus predecesores Bizantinos, usted puede notar que Giotto se acerca a la representación perspectiva de la realidad la cual le daría forma al Renacimiento.
Aunque a las representaciones de Jesús como niño, les faltaba aún mucho por madurar.
3 - La Lamentación de Cristo
La Lamentación de Cristo fue hecha por Andrea Mantegna en 1480. Su uso intenso del escorzo aumenta el drama de la escena, con la interacción entre las luces y las sombras y también con la perspectiva violenta.
Mantegna era conocido por su maestría en la manipulación de la perspectiva, aunque si usted mira de cerca, los pies de Jesús son un poquito pequeños.
4 - La Ultima Cena
La Última Cena hecha por Leonardo Da Vinci en 1495 muestra a Jesús comiendo sus últimos alimentos, rodeado por sus apóstoles favoritos, y también su menos favorito, (Judas).
Da Vinci incluye simbolismo con maestría en una época donde el simbolismo era mucho más exagerado, por ejemplo, la repetición de el número 3 y el número 4.
El 3 representa la espiritualidad, como la Trinidad, y el 4 la tierra, como los elementos.
Esta obra también ha causado muchas ideas sobre teorías de conspiración acerca de sus otros mensajes escondidos.
5 - El Juicio Final
Miguel Angel pintó este fresco súper intenso de “El Juicio Final” por 4 años comenzando en 1536 para la Capilla Sixtina del Vaticano.
Esta describe la segunda venida del Señor y también el juicio eterno y final de Dios sobre toda la humanidad.
Muchas personas religiosas se horrorizaron por el uso de figuras desnudas y genitales por parte de Michelangelo, aunque una mejor pregunta podría ser: ¿Cómo terminaron todos tan musculosos?
6 - El Descenso de la Cruz
El Descenso de la Cruz de Jacopo Pontormo fue hecho en 1528; su interacción intensa entre el movimiento y el peso, entre la ligereza de la tela y el peso de Jesús, intensifica la tragedia del momento.
Los colores fuertes, casi neón y la falta de respeto por cualquier clase de espacio representacional lo alejan del Renacimiento y lo acercan al Modernismo, aun al Surrealismo.
7 - La Coronación de Espinas
La Coronación de Espinas fue hecha por el maestro italiano Michelangelo Merisi di Caravaggio en 1602. Esta pintura obscura y cautivante coloca al realismo clásico y el estilo intenso en proximidad cercana.
El hace algo similar con el placer y el dolor en esta representación de tortura sádica.
8 - Cristo Crucificado
Cristo Crucificado fue pintado en 1632 por Diego Velázquez. No se conoce mucho sobre su historia, hasta la fecha está en duda, pero su incorporación de fuertes elementos clásicos y barrocos hace a esta escena automáticamente algo terriblemente violento y hermosamente tranquilo.
Esta crea contradicciones y las resuelve de una forma maestra.
9 - El Cristo Amarillo
Esta obra, El Cristo Amarillo, hecha por Paúl Gauguin en 1889, fue una de las piezas claves del Movimiento Simbolista.
Este abandonó el realismo, la historia y la perspectiva a favor de franjas de colores ácidos y planos.
10 - El Cristo de San Juan en la Cruz
El Cristo de San Juan de la Cruz fue hecho por Salvador Dalí en 1951. El informe detallado de esta obra así como su falta de detalles comunes en una crucifixión como puntillas, sangre y una corona de espinas se abandonó porque Dalí tuvo una visión en un sueño.
Él dijo: "En primer lugar, en 1950, tuve un “sueño cósmico” en el cual vi esta imagen a color y la cual en mi sueño representaba el núcleo del átomo. Este núcleo después tomó un significado metafísico; ¡lo considere la misma unidad del universo, el Cristo!"
Por @zonajnet
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